Au château de Vincennes

Anges musiciens

Présent du 24 juillet 2010<o:p></o:p>

La Sainte-Chapelle du château de Vincennes, construite entre la fin du XIVe et le milieu du XVIe, avait souffert de la tempête de 1999. Témoignage de l’élégance des gothiques rayonnant et flamboyant, elle a été rénovée – regrattée jusqu’à l’os : quid de la patine du Temps ?<o:p></o:p>

Les vitraux du chœur constituent un bel ensemble du XVIe siècle. Ils sont sortis de l’atelier de Nicolas Beaurain, qui avait œuvré pour le roi à Fontainebleau, à Saint-Germain. Racontant l’Apocalypse, ils sont fournis en anges, en anges à trompette notamment. Cela est une première raison d’y accueillir une exposition sur les anges musiciens. Une seconde raison, les autres anges musiciens sculptés aux fenêtres du donjon (XIVe).<o:p></o:p>

D’abord présentée à Notre-Dame d’Auray par le Centre de musique sacrée, l’exposition est riche en sculptures bretonnes polychromes des XVI et XVIIe siècles, et nul ne s’en plaindra tant cette sculpture, bonhomme ou âpre, est toujours vigoureuse. Les célèbres anges musiciens qui ornent Notre-Dame de Kermascléden (du XVe) sont plus fins, mais inspirés par la même simplicité.<o:p></o:p>

Tous les anges ne sont pas musiciens. L’ange gardien ne saurait être oublié (toile de Jean-Vincent Lhermittais, XVIIIe). Juché derrière son épaule, un ange guide saint Matthieu lors de la rédaction de son évangile. Deux anges recueillent le sang du Christ dans un calice, au pied de la Sainte Trinité, énorme sculpture catéchétique et populaire (église de Croisty). On les retrouve sur une Trinité semblable, en bas-relief au centre d’un polyptique où figurent des scènes de la vie de la Vierge. Les anges y sont présents : l’Annonciation, la Nativité, et se déploient lors de l’Assomption, du Couronnement, moments où ils se forment en orchestre. Comme le précise le Catéchisme des Anges du Barroux, Marie devient alors leur reine, et « ils jouissent d’un surcroît de béatitude, dite ‘accidentelle’, depuis que la Vierge est montée au ciel ». D’où cette musique céleste en son honneur, où éclate leur joie.<o:p></o:p>

Une Assomption (peinte vers 1650) montre quatre anges musiciens, avec clochettes, harpe, violon et luth. Les anges d’un vitrail entourent la Vierge, hiérarchisés suivant l’instrument dont ils jouent : les cordes d’abord, les vents ensuite (ill.). <o:p></o:p>

Les représentations suivent la musique du temps, les instruments sont taillés ou peints d’après nature. Sur les culots sculptés qui proviennent du donjon, on identifie nettement les instruments utilisés : percussions, cordes avec ou sans archet, orgue portatif. Grâce aux témoignages iconographiques nombreux, croisés, des passionnés refabriquent ces ancêtres. Luthiers et facteurs remontent le temps, comme dans la nouvelle de Jacques Perret (Arrangements pour le théorbe). Il ne manque que l’usure à ces instruments qui manifestent dans leurs formes la bizarrerie de leurs vocables : chifonie, rebec, cromorne, cornet à bouquin…<o:p></o:p>

Sorti de son cadre apocalyptique, l’ange à la trompette prend place au sommet de la chaire, pour que les fidèles n’oublient pas le jour de colère auquel il faut se préparer – et peut-être, aussi, donner au curé de l’allant et de l’inspiration, lui rappeler de ne pas endormir l’auditoire. Trois anges bretons encore : un du XVIIe, en bois noir, à la robe aux plis taillés comme une vis de pressoir ; deux du XVIIIe, plus fades, dont l’un a une discrète poitrine féminine.<o:p></o:p>

Dans l’incapacité d’imaginer un être asexué, les artistes tendent forcément vers une représentation plutôt homme ou plutôt femme, mais toujours juvénile, et nécessairement amène. Comme le dit le catéchisme, « qui ne voit que l’idée même de ces créatures célestes implique quelque chose d’aimable et de gracieux qui a toujours inspiré les artistes ? » Cependant cette aménité angélique s’accompagne, dans l’art roman, du caractère terrible que leur confère leur rôle de messager et d’envoyé de Dieu. A l’inverse, le baroque connaîtra une floraison de putti, d’une joliesse blessante, « dont la représentation donnera un coup fatal à la piété chrétienne, tant il est vrai que la déformation d’une réalité lui cause plus de mal que sa négation », explique le catéchisme (chap. Iconographie). Au XVIIIe et au XIXe, l’ange se féminise : quand elle devient sentimentale, la piété s’accommode d’anges féminins et languides, qui deviennent, hors de l’art sacré, évaporés et malsains (tableau de Jean-Louis Hamon, Les Muses à Pompéi, XIXe).<o:p></o:p>

Parmi les sculptures provenant du château de Pierrefonds, un des anges est en réalité une jeune musicienne. On admirera sa longue natte et le remarquable travail du drapé. Mentionnons encore, parmi les œuvres insignes de cette remarquable exposition, un ange éthiopien dessiné à l’encre (livre de prières, IVe siècle ?) ; une petite Annonciation italienne précieuse mais digne (début XVIIe). <o:p></o:p>

Samuel<o:p></o:p>

Anges musiciens.

Jusqu’au 5 septembre 2010, château de Vincennes (Sainte-chapelle).<o:p></o:p>

illustration : Ange musicien (XVIe). Saint-Avé, coll. privée (56) © CMS<o:p></o:p>

Au musée des Lettres et des Manuscrits<o:p></o:p>

Proust épistolier<o:p></o:p>

Présent du 17 juillet 2010<o:p></o:p>

Philip Kolb, l’homme qui publia la correspondance de Marcel Proust, estimait que ses 5000 lettres répertoriées représentent le vingtième du volume réel. L’édition compte 21 volumes, publiés entre 1971 et 1993. A cette annexe de l’œuvre (hors-d’œuvre au sens architectural, qui peut l’être aussi au sens culinaire), un compendium rend l’accès plus facile : le choix de lettres, paru chez Plon en 2004, en retient 627.<o:p></o:p>

Proust méritait donc une exposition du musée des Lettres et des Manuscrits, d’autant que côté manuscrits il ne fut pas en reste, par la longueur de son roman et par sa rédaction, procédant par ajouts, découpages, collages. Les placards du deuxième volume de La Recherche se signalent par leur complexité. Les épreuves composées à partir du manuscrit s’accroissent et se transforment en un second manuscrit (illustration).<o:p></o:p>

On voit aussi des épreuves de la traduction de La Bible d’Amiens de Ruskin, auteur essentiel dans la formation esthétique du romancier et, par les corrections, les amendements que fit celui-ci à la traduction d’abord effectuée par sa mère, moment important du forgeage de son style. <o:p></o:p>

On trouve encore la première version de l’épisode de la madeleine, instant clé du Côté de chez Swann, inoubliable analyse du rapport entre la mémoire et les sens « subtils » que sont le goût et l’odorat. Le souvenir authentique, d’après Proust, n’est pas celui que pioche la volonté, comme on déterre péniblement une souche et les racines, mais celui qu’on ignorait avoir et qui émerge des profondeurs, remonté de lui-même à la surface sous l’impulsion d’une odeur, à laquelle notre mémoire l’avait, à notre insu, indissolublement lié.<o:p></o:p>

Proust a vu son manuscrit du Côté de chez Swann refusé par tous les éditeurs. Sentant la maladie gagner du terrain chaque année, il se résout à le publier à compte d’auteur. Ce premier volume paraît chez Grasset en novembre 1913. En 1914, il reçoit les épreuves du deuxième volume. La guerre suspend l’activité de l’éditeur. C’est « grâce » à la guerre que La Recherche prend une dimension imprévue : Proust en profite pour enrichir considérablement les épreuves, d’où ces placards étonnants. C’est une refonte. Cependant les éditeurs qui l’ont refusé s’aperçoivent de leur erreur. Gide, lecteur à la NRF, écrit à Proust dès la parution du Côté de chez Swann : « le refus de ce livre restera la plus grave erreur de la NRF ». Les contacts avec la NRF, avec Grasset, vont amener Proust à accepter les offres de Gaston Gallimard, qui publie A l’ombre des jeunes filles en fleurs en 1918. <o:p></o:p>

Le livre obtient le prix Goncourt 1919. Non sans grincement de dents. L’auteur, malade, n’a pas reçu les journalistes, qui croient à du mépris. L’opinion est fâchée qu’un roman de guerre, Les Croix de bois, ait été écarté au profit d’un roman aussi inactuel, voire intemporel.<o:p></o:p>

C’est pourtant à un va-t-en-guerre que Proust doit le prix : Léon Daudet. « C’est un écrivain qui devance son époque de plus de cent ans », a-t-il déclaré à ses pairs de la petite Académie. Proust est très attaché à la famille Daudet. Il a connu Alphonse Daudet, à qui il emprunte quelques traits lorsqu’il crée l’écrivain Bergotte ; une amitié affectueuse le lie à son fils Lucien, une amitié respectueuse à son autre fils Léon et à son épouse. A Léon Daudet il dédiera Le Côté de Guermantes.<o:p></o:p>

Quelques lettres ont été échangées avec Charles Maurras. Dreyfusard, Proust reste à distance. Mais l’admiration est réciproque, Proust lisant avec plaisir L’Action française dont la qualité littéraire en impose à beaucoup, au-delà des clivages politiques. Surtout, la gratitude de Proust est indéfectible. Maurras est en effet le premier à avoir signalé le talent de Proust, dans son article louangeur sur Les Plaisirs et les Jours, en août 1896, alors que dans l’ensemble la critique dédaignait l’ouvrage : « il faut que la jeune génération s’accoutume à faire fond sur ce jeune écrivain ». (En « omettant » de prendre en compte la part de Maurras dans la vie littéraire des années 1890-1920, part créative et critique, l’histoire de la littérature fausse totalement la perspective.)<o:p></o:p>

Bien d’autres noms apparaissent dans la correspondance, intéressants (Cocteau, Rivière, Régnier…) ou médiocres (Gregh, Souday, Bourges, ce dernier connu des lecteurs de Bloy : c’est Desneux dans Le Désespéré). Proust agrémente parfois sa lettre d’un pastiche, comme des vers hugoliens (lettre à Albert Sorel). On sait quel pasticheur il a été, de Balzac, de Sainte-Beuve, de Flaubert : un exercice qui demande le parfait accord de la sensibilité et de l’analyse littéraires.<o:p></o:p>

Samuel<o:p></o:p>

Proust, du temps perdu au temps retrouvé.

Jusqu’au 29 août 2010, musée des Lettres et des Manuscrits<o:p></o:p>

illustration : À l’Ombre des jeunes filles en fleurs. Placard d’épreuves corrigées de 1914 © Coll. privée / Musée des lettres et manuscrits - Paris<o:p></o:p>

Les Petits Hommes Verts<o:p></o:p>

Les Envahisseurs ont apporté leur langage, leurs lois, leur religion et leur mode de vie. Venus sauver votre planète, ils vous incitent à collaborer. Cette rubrique a pour but de vous aider à les mieux comprendre.<o:p></o:p>

Grand Homme Vert. – « Si demain Jean-Marie Le Pen voulait me rencontrer, ma ‘religion’ est telle qu’il irait se faire voir », écrivait Nicolas Hulot (Graines de possible, 2005). On reconnaît, à ce tabou, l’actuelle religion d’Etat. De cette religion Hulot est un adepte, mais également un prophète. Le prophète préféré des électeurs et de leurs élus, en matière d’écologie. Récemment, 53% des personnes interrogées voyaient en lui la personnalité « qui défend le mieux l’environnement ». Raison de plus de ne pas aimer Le Pen : Jacques Roubaud n’a-t-il pas publié un poème intitulé « Le Pen pollue », dans Le Monde en mars 1998 ?<o:p></o:p>

La biographie que lui consacre Bérengère Bonte (journaliste à Europe 1) retrace le parcours de cet enfant du XVI^e qui n’assume pas son arrondissement, ses débuts comme photographe à l’agence Sipa, puis la radio, puis la télé, avant que comme un bodhisattva il ne repousse son apothéose pour, patiemment, nous inculquer les notions nécessaires au salut de la planète. <o:p></o:p>

Une planète qu’il connaît bien, pour l’avoir parcourue en tous sens. La traçabilité de Nicolas Hulot ne se fait pas sans un lourd bilan carbone. Le coureur du Paris-Dakar, le vacancier des Mascareignes, l’animateur d’Ushuaïa, d’Okavango, d’Ushuaïa nature, a mobilisé ULM, hélicoptères, avions, 4x4. Des déplacements à base de kérosène qui ne le prédisposaient pas à devenir un chantre de l’écologie. L’écologie lui est venue comme ça, tombée du ciel. Sa science est celle d’un amateur, nourri de citations réparties dans une dizaine de petits cahiers thématiques. Telle est la vie intellectuelle de ce présentateur télé qui, fort d’un carnet d’adresses où figurent Jacques et Claude Chirac, PPDA et tant d’autres, a lancé la Fondation Nicolas Hulot pour l’homme et la nature, institut de lobbying, à l’origine du Comité de Veille Ecologique (1999), de la Charte de l’Environnement (2005), du Pacte écologique (2006, y traînait l’idée d’une taxe carbone). En janvier 2007 au musée Branly, c’est Hulot encore qui préside le jury d’examen devant lequel passent, volontaires pour l’humiliation, dix candidats à la présidentielle. Ceux-ci voient noter (sur vingt) leurs propositions écologiques. Le scolaire au secours de la politique ! On songe aux enfants qui notaient d’autres enfants dans l’émission « L’école des fans ».<o:p></o:p>

Les écologistes de stricte obédience, ceux qui sont pour la décroissance et non pour un développement durable qu’ils estiment aménagé aux convenances industrielles et commerciales, contestent à Hulot ce rôle de directeur des consciences notées sur barème. Non seulement il a des joujoux polluants, mais il se finance en puisant dans l’escarcelle de grandes firmes pas très propres (Rhône-Poulenc, par exemple). C’est sa morale à lui. <o:p></o:p>

En avril dernier, quatre cents chercheurs ont écrit à Valérie Pécresse pour se plaindre de Claude Allègre, qui dénonce régulièrement le mythe du réchauffement climatique. Lorsqu’en septembre 2009 Allègre avait qualifié Hulot d’« imbécile », la communauté scientifique n’avait pas tiqué. Son imbécillité peut donc être considérée comme établie. Imbécile, peut-être, mais dont le train de vie semble « durable ». Les droits d’auteur, l’émission « Ushuaïa » déclinée en chaîne de télévision, en magazine et en gels douche… il n’a connu qu’un échec, celui de son film Le Syndrome du Titanic (2009), mais heureusement les entreprises partenaires étaient là pour éponger : EDF, la SNCF et L’Oréal, rien que ça. <o:p></o:p>

Nicolas Hulot a failli se présenter à la présidentielle de 2007. Que cachait son désistement ? On prête à ce millionnaire au cœur pur des visées européennes, voire onusiennes.<o:p></o:p>

Samuel

Présent du 9 juillet 2010<o:p></o:p>

♦ Bérengère BONTE, Sain Nicolas, Editions du Moment, 2010, 330 pages. 19 euros.<o:p></o:p>

Le nouvel ouvrage du Pr Jean de Viguerie<o:p></o:p>

Madame Elisabeth, un destin impeccable<o:p></o:p>

Présent du 10 juillet 2010

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Dans La Chevalière de la Mort (1891), livre consacré à Marie-Antoinette, Léon Bloy évoquait Madame Elisabeth, « qui fut une héroïne et qui mourut comme telle » ; « Jeanne d’Arc sans mission d’une royauté qui voulait périr » ; « la plus admirable figure de cette époque et d’une telle sublimité que Marie-Antoinette elle-même semble médiocre et pâle en comparaison ». A son tour Jean de Viguerie avait esquissé le portrait de « l’ange gardien du Temple », soulignant sa présence réconfortante lors de la captivité de la famille royale (Louis XVI, le roi bienfaisant, 2003). Sensiblement plus courte que la biographie consacrée à son frère, celle de Madame Elisabeth est comparable à un volet de retable, qui complète le panneau central. Le titre, Le sacrifice du soir, indique le caractère religieux du sujet. Ce n’est pas la vie d’une martyre, pas encore la vie d’une sainte, malgré les efforts faits pour introduire sa cause en béatification. C’est en tout cas la vie d’une princesse que la foi a guidée et soutenue.<o:p></o:p>

L’éducation<o:p></o:p>

En spécialiste de l’éducation, le professeur Jean de Viguerie examine la formation qu’a reçue la princesse. La personnalité de la gouvernante des Enfants de France, Mme de Marsan, n’est pas anodine. Elle a, de l’éducation des femmes, une conception opposée à celle de Jean-Jacques. Elle ne pense pas les femmes inaptes aux vérités abstraites. Elisabeth et sa sœur aînée Marie-Clotilde sont éduquées ensemble. « Les meilleurs spécialistes dans les différentes disciplines sont invités à dispenser leur savoir aux jeunes princesses ; ainsi, l’abbé Nollet pour la physique, le médecin et naturaliste Lemonnier pour les sciences naturelles, et Mauduit pour les mathématiques. » Français, latin, italien et histoire sont aussi au programme.<o:p></o:p>

Madame de Marsan n’aime pas la pédagogie de Jean-Jacques, ni la philosophie des Lumières en général. Elle confie l’enseignement de la philosophie à Mme de la Ferté-Imbault, elle aussi critique à leur endroit. Cicéron, Sénèque et Plutarque donnent à Madame Elisabeth des concepts moraux et politiques. Les philosophes stoïciens suivent, avec leur conception exigeante de l’homme. Pour eux, la raison permet à l’homme d’échapper à l’emprise de l’instinct, alors que les Lumières croient en la toute-puissance des sensations sur l’intelligence. Les stoïciens forment donc une digue contre la philosophie de l’époque. Digue qui est aussi un contrefort pour la foi.<o:p></o:p>

L’abbé Madier, ancien jésuite, a en charge l’instruction d’Elisabeth à partir de 1174, tout en étant son confesseur. « Il l’a initiée à la dévotion au Sacré-Cœur, l’a invitée à la confession et à la communion fréquentes, et lui a enseigné la pratique des trois exercices du perfectionnement spirituel, la méditation, l’oraison mentale et l’examen de conscience. Il l’a formée à une sainte vie selon la méthode pratique de l’ascétisme jésuite. »<o:p></o:p>

La formation spirituelle de la jeune fille doit beaucoup à Saint-Cyr. Madame de Marsan n’a pas nommé au hasard sous-gouvernantes, deux anciennes élèves de ce pensionnat, la baronne de Mackau et la comtesse d’Aumale. L’établissement, tout au long du XVIIIe siècle, a donné à de nombreuses filles de la noblesse une formation solide, les marquant de son empreinte : un esprit « fait de soumission, de régularité et de sagesse. La soumission signifie accomplir son devoir d’état ; la régularité, ordonner son emploi du temps ; la sagesse, respecter son prochain et contempler son Créateur. Madame Elisabeth a été formée à ces trois disciplines. » Elle entre convenablement armée dans la vie.<o:p></o:p>

La vie princière<o:p></o:p>

Un remarquable portrait représente Madame Elisabeth au sortir de son éducation, vers ses quatorze ans (musée Garinet, Châlons-en-Champagne). Le peintre est resté anonyme, hélas. Il a su rendre avec un pinceau délicat la douceur et la gravité de son modèle, sa réserve et – ce que révèlent ses yeux – sa force intérieure.<o:p></o:p>

Quatorze ans est l’âge de la majorité pour les Enfants de France. La vie princière commence, avec la constitution de sa « maison », qui est « une petite cour au milieu de la grande ». Cela reste une semi-majorité : « elle demeure dans la dépendance étroite du Roi, son frère, et doit se soumettre aux usages concernant les Filles de France. Jusqu’à l’âge de vingt-cinq ans, âge de la majorité légale en France, elle n’a pas le droit d’admettre des hommes dans son entourage, à l’exception de ceux de sa ‘maison’. »<o:p></o:p>

Madame Elisabeth accompagne la cour dans ses déplacements saisonniers à Choisy, Marly, Compiègne et Fontainebleau. Elle assiste aux comédies, participe aux fêtes, aux bals. Elle passe des journées entières dans son domaine de Montreuil, cadeau de son frère. Elle suit l’emploi du temps qu’elle se fixe chaque jour, comme on lui a appris à le faire. Il comporte l’équitation, la chasse à courre, la pêche, le modelage, les travaux d’aiguille… Elle aime aussi jouer au pharaon, au billard. <o:p></o:p>

Ces activités nombreuses, amicales et sociales, auxquelles la princesse se livre avec une joie de vivre sans mélange, ne la distraient pas de l’essentiel : sa vie « cachée ». Seule de la famille royale à assister à la messe quotidienne, elle s’est consacrée à Dieu (1779). Le Roi en est probablement averti, car aucun projet de mariage ne sera formé pour elle par la suite. Une maturité spirituelle dont témoigne sa correspondance, abondante, où elle conseille ses amies avec un discernement surprenant. <o:p></o:p>

Madame Elisabeth est charitable. Les pauvres ne frappent pas en vain à la porte de son domaine. Elle est généreuse avec ses amies, parfois jusqu’à en devenir prodigue. Elle doit alors emprunter.<o:p></o:p>

Les années 1783-1787, sont selon les mots de Jean de Viguerie, celles de « la plénitude du cœur ». La jeune femme, aux alentours de la vingtième année, est épanouie. Elle « aime ses amis comme elle aime sa famille : d’un cœur joyeux et d’une manière exubérante ». Parce qu’elle aime les siens, elle sait braver sa timidité pour aller voir le Roi et tenir tête à la Reine, par exemple lors de la disgrâce de Madame d’Aumale. Sa force de caractère se manifeste.<o:p></o:p>

Elle a dix-neuf ans quand Mme Vigée-Lebrun la peint (illustration, château de Versailles). L’artiste se souviendra que son visage « exprimait la plus douce bienveillance et que sa fraîcheur était remarquable ; qu’en tout elle avait le charme d’une jolie bergère ». En la voyant en bergère, Mme Vigée-Lebrun se conforme au goût du temps et se montre inférieure à la personnalité de son modèle.<o:p></o:p>

La captive<o:p></o:p>

Le vingt-cinquième anniversaire de la princesse est terni par les tensions politiques. Nous sommes le 3 mai 1789. Son émancipation et la Révolution coïncident. La Révolution, Madame Elisabeth la vit aux côtés de sa famille. Elle repousse les opportunités d’émigration. « Jamais je ne serai capable de trahir ni mon devoir, ni ma religion, ni mon sentiment pour les personnes qui le méritent seules, et avec qui je voudrais vivre pour tout au monde », écrit-elle à sa plus proche amie, Angélique de Bombelles. <o:p></o:p>

D’octobre 1789 à août 1792, ce sont les Tuileries, résidence de plus en plus surveillée. Pour les Goncourt, Madame Elisabeth est « l’homme des Tuileries ». Devant l’abattement des siens, l’apathie, elle essaye d’agir. Elle noue des contacts avec l’émigration, avec la contre-révolution. Elle a très tôt compris la nature de la Révolution, la lutte à mort engagée. Plus encore que les bouleversements politiques, l’atteinte à la religion la touche. Lors de la Constitution civile du Clergé, elle insiste auprès du roi pour qu’il la refuse. Le fait accompli, elle se tait. Même si elle écrit à deux reprises « Si j’étais roi… », elle reste à sa place.<o:p></o:p>

Vient l’emprisonnement. On a beau connaître la vie au Temple, le récit en est toujours poignant. Rien d’extraordinaire ne se passe, que l’abattage progressif de la famille royale. On dirait d’une partie d’échec qui, au mépris des règles – Révolution oblige –, poursuivrait au-delà de l’échec et mat en prenant le roi, puis la reine, pour finir par cette tour qu’est Madame Elisabeth. Elle est, non la tour où ils sont emprisonnés, mais la tour qui défend et abrite. La tour qui n’a pas été construite sur le sable. Elle est le soutien moral et religieux de son frère, de sa belle-sœur, de son neveu, de sa nièce. Elle est pour les siens la douceur et la volonté, l’exemple de l’abandon à Dieu et de la dignité devant les hommes.<o:p></o:p>

Cela n’empêche pas le découragement. Courant 1792, elle comprend que politiquement la Révolution a gagné. Reste Dieu. Avec largeur d’esprit, elle puise sa force dans des auteurs aussi différents que le « stoïcien chrétien » Pierre Charron, le janséniste Pierre Nicole, saint François de Sales, le Père de Gonnelieu, le Père Roriguez, tous deux jésuites. <o:p></o:p>

Peu à peu, l’univers de la princesse se rétracte. Le roi est séparé des siens en décembre 1792, guillotiné en janvier 1793. En juillet de la même année, la Reine et le Dauphin sont emmenés à leur tour. Madame Elisabeth reste seule avec sa nièce Madame Royale. Elle continue d’appliquer les règles de vie qu’on lui a enseignées, en particulier celle de suivre un emploi du temps journalier, condition de survie psychologique en réclusion. Elle fait l’école à sa nièce. Toutes deux sont interrogées en octobre 1793 (Madame Royale n’a que quatorze ans), au sujet des accusations ignobles portées contre la Reine. <o:p></o:p>

Elles resteront dans l’ignorance de son supplice. Au fur et à mesure, en effet, la correspondance est interdite, la conversation avec les gardiens proscrite. La gentillesse et la force de Madame Elisabeth impressionnent et séduisent les gardiens. Ils se relaient, certains refusent de prendre leur tour, par dégoût de cette abjecte surveillance. <o:p></o:p>

Les révolutionnaires, eux, ne supportent pas « la grosse Babet », dont la dignité leur est odieuse. La sachant populaire dans le peuple, les ennemis de Robespierre la poussent vers la guillotine, afin de le discréditer. Procès, jugement, ses trente ans à peine sonnés, Madame Elisabeth est guillotinée, dernière d’une charretée aristocratiquement composée : on a soigné le spectacle (10 mai 1794).<o:p></o:p>

***<o:p></o:p>

Alexandre Kucharski, de service au Temple en tant que municipal, a peint les portraits de Louis XVI, de
Marie-Antoinette, des enfants, et l’émouvant portrait de Madame Elisabeth (1792). La captive a le visage marqué par l’emprisonnement, le regard rembruni par l’épreuve, sans qu’il ne perde son intensité velouté, ni sa tranquillité : « Que m’arrivera-t-il aujourd’hui, ô mon Dieu, je l’ignore. / Tout ce que je sais, / C’est qu’il ne m’arrivera rien que vous ne l’ayez prévu de toute éternité. / Cela me suffit, ô mon Dieu pour être tranquille. » Par ces mots commence la prière qu’elle récitait quotidiennement au Temple.<o:p></o:p>

Le patronage de Madame Elisabeth pourrait être proposé aux jeunes filles de notre temps, comme modèle de femme épanouie. Madame Elisabeth est à la fois une jeune princesse comme le moyen âge en rêvait et en voyait vivre, vouée à Dieu, dévouée aux pauvres, et une jeune femme « moderne », sportive et cultivée. Son destin n’est pas le destin frelaté de Lady Diana, il est pur comme celui de Geneviève de Brabant. Son histoire, racontée par Jean de Viguerie, a la limpidité de la légende.<o:p></o:p>

Samuel<o:p></o:p>

Jean de Viguerie, Le sacrifice du soir. Vie et mort de Madame Elisabeth, sœur de Louis XVI. Editions du Cerf, 2010, 190 pages. 19 euros.<o:p></o:p>

illustrations :<o:p></o:p>

Madame Elisabeth à l’âge de 19 ans, par Madame Vigée-Lebrun © Château de Versailles<o:p></o:p>

Madame Elisabeth en 1792, par Alexandre Kucharski. Collection particulière<o:p></o:p>

Au musée de la Poste

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Aragon

et les beaux arts<o:p></o:p>

Présent du 3 juillet 2010<o:p></o:p>

N’y allons pas par quatre chemins, le rassemblement de toiles liées aux écrits d’Aragon ne vaut pas tripette. J’excepte de ce jugement radical quatre tableaux : un paysage d’Albert Marquet (Notre-Dame et ses quais, ses ponts), un de Francis Gruber (Le parc, 1941) ; un intérieur de Bernard Buffet ; La batelière de Marcel Gromaire, de construction très savante (illustration).<o:p></o:p>

Bien sûr il y a aussi des dessins aquarellés de Paul Signac, des lithographies de Matisse, mais rien d’exceptionnel. Aragon a publié en 1971 Henri Matisse, fruit de ses rencontres avec l’artiste et des réflexions sur son art. Il en disait : « Ceci est un roman, c'est-à-dire un langage imaginé pour expliquer l'activité singulière à quoi s'adonne un peintre ou un sculpteur, s'il faut appeler de leur nom commun ces aventuriers de la pierre ou de la toile, dont l'art est précisément ce qui échappe aux explications de texte. »<o:p></o:p>

Bien que refusant le titre de critique, Louis Aragon a beaucoup écrit sur l’art, des livres (La peinture au défi, 1930), des articles. Aragon est rédacteur aux Lettres françaises, dont il devient le directeur à partir de 1953. Il y parle souvent d’art, en une. Une série d’articles traite de l’art soviétique (1952). Les décès sont d’autres occasions (décès de Fernand Léger en août 1955, qu’il avait pris à partie lors de la « Querelle du réalisme » en 1936 ; décès de Georges Braque en septembre 1963).<o:p></o:p>

Le journal est subventionné par Moscou. Bon romancier et non moins bon poète, Aragon a été, sur l’échiquier politique, un pion actif et volontaire, « Prix Lénine 1958 ». La postérité garde beaucoup de respect pour ce genre de prébende. Privées de subsides pour avoir soutenu les Tchèques en 1968, Les Lettres françaises cessent de paraître en 1972. Aragon écrira désormais dans L’Humanité et Le Monde.<o:p></o:p>

Ses choix artistiques obéissent rarement à un mobile pictural. Ils sont doctrinaires. Il a d’abord aimé, entraîné par le lyrisme sympathique d’Apollinaire, les peintres cubistes, leurs collages ; il s’est ensuite rigidifié dans le surréalisme avant de devenir le chantre du réalisme socialiste. A la fin de sa vie, il a mis du jeu dans son esprit mais le pli était là.<o:p></o:p>

La peinture surréaliste est mesquine, artificielle. « Peinture fraîche » n’est pas l’écriteau qui lui convient : la main de l’artiste est sèche, et son intelligence. Le plaisir de peindre, l’amour du sujet n’apparaissent pas. Ce serait suspect, car bourgeois. Le surréalisme s’est mis dès le début au service de la Révolution. Avant d’être une école artistique, il est un outil politique.<o:p></o:p>

Aragon, à partir de 1930, prône le réalisme socialiste. Adhérent du PCF, il séjourne régulièrement à Moscou pour affaires « culturelles ». Le voyage de Tintin au pays des Soviets date de 1929. Il est de bon ton, aujourd’hui encore, de dénoncer les « préjugés » d’Hergé. Quid de la malhonnêteté d’Aragon ? Qui plus est malhonnêteté rétribuée.<o:p></o:p>

Ses positions successives – surréalisme, réalisme – sont-elles contradictoires ? A première vue, évidemment oui. Un film de propagande polonais oppose les deux courants (1950). Le conférencier glorieux vante à une assistance résignée, le réalisme socialiste qui s’éloigne de « l’art de l’impérialisme dégénéré », qui rompt avec « la perversité » de l’art d’avant-garde occidental. Le réalisme socialiste, dit-il, affirme « une foi profonde en l’homme ». La foi profonde en l’homme du socialisme est apparentée à l’humanisme nazi. La différence n’est pas d’essence mais de durée.<o:p></o:p>

En réalité l’art d’avant-garde constitue une première phase, celle de l’éclatement des repères culturels « bourgeois ». Elle se produit en même temps à l’ouest et à l’est (1918-1930). Le réalisme socialiste est la phase suivante : sont fixés les nouveaux repères. C’est ainsi qu’on est passé de l’un à l’autre en URSS, en soumettant les artistes, quitte à écarter les rétifs. En France, Aragon essaye la même transition. Disposant de journaux mais pas d’une police, il doit se contenter de siffler en vain la fin de la récréation, rappelant à l’ordre les artistes qui refusent la mise au pas, heureux de faire carrière dans le relativisme ambiant.<o:p></o:p>

Le passage du surréalisme au réalisme socialiste n’est donc pas contradictoire. Ni même aberrant. Outre le fait que l’un et l’autre sont une forme prise par le marxisme dans l’ordre esthétique, le réalisme soviétique est au fond surréaliste. Représentations idylliques de l’ouvrier épanoui, du combattant bien nourri, de la paysanne plantureuse, rien ne le rattache à la réalité de la vie en terre communiste, à la ville, aux champs ou au goulag. Surréalisme et réalisme socialiste ont en commun de ne pas aimer le réel.<o:p></o:p>

Samuel<o:p></o:p>

Aragon et l’art moderne.

Jusqu’au 19 septembre 2010, Musée de la Poste.

illustration : Marcel Gromaire, La Batelière, 1924 © Musée d’art moderne de la ville de Paris – Roger Viollet © Adagp, Paris, 2010

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